Nell'ambito della Notte Bianca per la pace, l'associazione di donne Galassia ha proposto ad artiste ed artisti la realizzazione di una mostra di installazioni, opere bidimensionali, video e perfomance nel cortile di un'antica casa del 1700, ora completamente ristrutturata, nel centro della città.
Il tema della mostra, Paciamoci , viene interpretato da ogni artista avendo presente i temi del rispetto dei diritti della natura, delle persone, degli animali e degli oggetti, rispetto dei diritti che sta alla base di qualsiasi politica di pace. Visioni diverse, espressioni del sentire di ciascun artista.

Confrontarsi sul tema della pace ha voluto dire ragionare sul significato del termine e su come comportarsi nella vita quotidiana, all'interno della casa e all'esterno, nella città e nel mondo, su un tema sul quale si pensa di essere tutte e tutti d'accordo ma sul quale poi si verificano differenze forti.

Una convinzione che si ritrova sia nell'opera di Nadia Magnabosco e di Marilde Magni , un'asse da stiro in metallo - simbolo della vita quotidiana femminile - posta in verticale a rappresentare  la resistenza, la perduranza e la non scalfibilità del coraggio di una delle tante  madri di Plaza de Mayo che in quella di Evelina Schatz , che scriverà in varie forme, e leggerà, in italiano e in russo una sua poesia sulla pace; il linguaggio della pace deve assumere le diverse lingue del mondo, per essere compreso e condiviso da tutte e da tutti.
Pace significa scegliere consumi ecocompatibili, ridurre i consumi ai bisogni reali, praticare la cultura della cura come recupero di competenze di genere ( cura delle persone, delle cose, degli animali e delle piante, della Terra, della memoria). Significa lavorare meno, recuperare tutto.
Molte artiste e molti artisti hanno elaborato il loro agire artistico utilizzando solo materiali ecocompatibili e/o di recupero. E' il caso, in questa mostra, di Francesco Ceriani, Francesco Cucci, Gretel Fehr, Mavi Ferrando, Roberto “Birillo” Gotta, Luca Rendina , Francesco Ceriani presenta un lavoro di legno, quasi una nave che vola, un segno di viaggio, non proprio di piacere, un po' di speranza, un po' di fuga... Francesco Cucci con Volontà di Costruire la Pace realizza un' installazione che attraverso l'equilibrio e la tolleranza tra gli elementi, in un legame elastico, esprime l'idea della pratica della coesistenza e del rispetto Gretel Fehr ricerca frammenti di lavorazione di specchi in plexiglass come supporti alle sue stampe digitali. In Prost s i brinda alle guerre, si brinda alla pace. Senza fine per le guerre, con tanta speranza per la pace Mavi Ferrando in Scalata di pace elabora una serie di figure che cercano faticosamente, arrampicandosi su una griglia metallica, un cammino, in salita, verso la pace. Roberto “Birillo” Gotta recupera giocattoli da “guerra” rotti, per costruire un collage polimaterico simbolico che affronti in senso ironico il tema della guerra Luca Rendina utilizza legno di recupero con un piccolo inserto in terracotta per realizzare una scultura componibile formata da più elementi, ispirata al quadro di Giorgio De Chirico del 1927 "mobili nella valle”

Antonella Prota Giurleo

Nell'ambito del progetto culturale “Omeoart, Omeopatia nell'Arte”, promosso da Omeoart, Associazione Culturale Internazionale Boiron, la mostra collettiva Omeoceramica rappresenta un nuovo importante passo sulla strada del dialogo tra arte e omeopatia.
La mostra sarà inaugurata il prossimo 17 settembre a Napoli nella storica cornice del Maschio Angioino, all'interno delle quattro sale che compongono la maestosa “Antisala dei Baroni” e sarà aperta al pubblico dal 18 settembre al 3 ottobre 2008.
Dopo una profonda esplorazione dell'arte pittorica e dei suoi possibili legami con il sapere omeopatico, attraverso cinque grandi mostre collettive (Omeoart, Omeopatia nell'Arte, 2003-2008), l'Associazione Omeoart sceglie la Ceramica come mezzo espressivo intimamente connesso agli elementi della terra, dell'aria, dell'acqua e del fuoco. Al pari degli eventi artistici che lo hanno preceduto, Omeoceramica ha fra i suoi propositi, la diffusione del messaggio omeopatico, attraverso l'Arte ed il suo grande potenziale comunicativo. 32 artisti della ceramica, fra i quali si annoverano grandi nomi del panorama artistico contemporaneo e giovani talenti emergenti, sono stati invitati da Francesca Bianucci, curatrice della mostra e Presidente dell'Associazione, a lasciare una profonda e personale traccia artistica sulla strada dell'incontro tra Omeopatia e Arte.
L'adesione al progetto è stata immediata e ricca di entusiasmo; tutti gli artisti hanno donato la propria opera all'Associazione.

L'evento Omeoceramica si arricchisce, inoltre, di un concorso d'arte rivolto agli studenti degli Istituti d'Arte e dei Licei artistici del circuito regionale campano, promosso sempre da Omeoart in collaborazione col Ministero della Pubblica Istruzione. Gli studenti sono stati invitati a produrre un progetto ed un prototipo sul tema: “Arte da banco…Il rendi-resto per le Farmacie - sul tema dell'Omeopatia”. Durante la conferenza stampa del 17 settembre ore 11,00 i Laboratoires Boiron premieranno i tre vincitori con una borsa di studio.

Omeoceramica vuole farsi, dunque, volano delle eccellenze artistiche del nostro Paese ed in particolare di quelle della Regione Campania, tradizionalmente patria di illustri artisti. Questo uno dei motivi per i quali si è scelta, come prima sede dell'evento, la città di Napoli: “ Sono davvero molto orgoglioso di vedere Omeoart in mostra qui a Napoli” – osserva Christian Boiron – “tradizionalmente patria di eccellenze artistiche nel campo della ceramica, oltre che culla dell'omeopatia, e per questo location ideale per la nostra iniziativa ” .

“… la dimensione del contemporaneo si muove attraverso s-definizioni irreversibili, necessarie e collettive.

Non sarebbe possibile concepire altrimenti la dilatazione illimitata dell'atto creativo, che ha luogo a prescindere dai confini tra supporto e materiale, finito e non-finito, esecutore e mobilità dell'opera […].
Così, la percezione di ciò che si vede è il seme a mezz'aria di ciò che potrebbe essere.
Di occhio in occhio, lo stupore educa alla coscienza dell'irripetibile e dell'inspiegabile. All'attesa vigile di una verità suggerita senza essere svelata.

Senza trucco. E senza inganno”.

(dal testo critico di Alessandra Morelli

gli artisti:
mauro bendandi _ anselmo brutti_ francesca casolani_roberto cicchinè_ giulia corradetti_ francesco cuna_ chiara francesconi_ andrea la rocca_ mara nitti_ elena nonnis_ roberto pagnani_ marco saugo_ brian wells stevens

Dopo anni di immobilità ritorna l'arte contemporanea al Centro Sociale di Montedoro, evento d'arte fortemente voluto da Federico Messana e curato del critico d'arte Franco Spena, la mostra dal titolo “Varial”, presenta una selezione di venticinque artisti che lavorano nelle molteplici direzioni dell'arte contemporanea. Il tempo presente, veloce e vario, obbliga lo sguardo ad operare adattamenti continui su un panorama visivo sempre in movimento e provvisorio, sia quando si muove tra le immagini e le scritture dell'urbano, sia per cogliere e comprendere i paesaggio mobile che lo circonda nella dimensione del quotidiano. Un paesaggio nel quale realtà e immagine della realtà si mescolano mettendo in tilt spesso un esercizio percettivo bombardato da multiformi stimoli visivi che gli si porgono in soluzione di continuità, mescolando ciò che è fuori e dietro lo schermo, in un momento nel quale tutto sembra essere bello e tutto sembra essere merce.
Un grande palcoscenico davanti al quale assistiamo ad uno spettacolo davanti al quale ogni immagine, appare provvisoria sostituibile ad ogni spostamento dell'orizzonte visivo nel corso del quale si susseguono, al ritmo di un balletto, la vita come la morte, il dramma e lo show, lo spot pubblicitario e la notizia dell'ultimo kamikaze, con uno sguardo “varial” che si adatta ad ogni “visione” e ad ogni differente intensità di luce.
Spesso la stessa realtà, se non travestita d'effimero, passa inosservata davanti al nostro sguardo e ci lascia indifferenti.
In un momento nel quale tutto è contemporaneo, anche il panorama dell'arte, all'inizio del terzo millennio, appare multiforme e vario. Orfani di un novecento che non ci ha lasciato avanguardie ma i lasciti di un ipermoderno che, per sopravvivere, volge lo sguardo al passato, non si individuano segni di espressione che possano caratterizzare questo inizio di millennio, anzi ci accorgiamo della presenza di opere che convivono e che si porgono nel multiforme panorama dell'arte senza riuscire a cogliere elementi che possano ascriverle in poetiche definite.
Viviamo nell'atmosfera di una esperienza estetica diffusa all'interno della quale possiamo distinguere “pratiche”, “procedure” e opere più o meno oggettuali, nei luoghi dell'arte e non luoghi, con precarie “somiglianze di famiglia”.
Al proposito Morris Weitz spiega che “il carattere espansivo e avventuroso dell'arte, i suoi continui cambiamenti e le nuove creazioni, rendono logicamente impossibile assicurare un qualunque insieme di proprietà determinanti”.
Da questo punto di vista “Varial” vuole essere una sintesi breve di una pratica di vedere, nell'orizzonte di un'arte contemporanea inafferrabile, tuttavia carica di fashion, nel quale le opere si offrono al nostro sguardo con la seduzione di una oggettualità prorompente o nell'assenza di una oggettualità che le dimensioni, con la “fascinazione” di una merce in esposizione o con l'inafferrabile visionarietà di uno spettacolo televisivo, quasi dietro a delle lenti “varial” per vivere un'esperienza estetica che ha bisogno di continui adattamenti tra forma e informe, tra realtà e le immagini della realtà. In un fantasmagorico paesaggio culturale, spesso sospeso tra manualità e tecnologia, che passa dalla astrazione alla figurazione, dalla pittura alla pittura pittura alla post pittura, dalla scrittura alla singlossia, dalla installazione alla fotografia, dalla performance al video, dall'utilizzo del corpo al teatro, alla musica, dal concettuale agli assemblaggi di materiali che divengono essi stessi oggetto di poesia e di contenuto, tra sconfinamenti e richiami, contaminazioni e attraversamenti tra i linguaggi, che caricano di fashion nuove e imprevedibili metafore e analogie.
Un paesaggio multiforme e vario, affascinante come uno spot pubblicitario e, come la pubblicità, seducente ed effimero, che si offre al mutevole sguardo “varial” di un contemporaneo all'interno del quale allestiamo l'imprevedibile e comunque esaltante spettacolo dell'esistere.

PERFORMANCE/READING DI POESIA
" LA VOCE in MOVIMENTO"
e trasversalita` video-sonore di Nicola Frangione
8 Agosto 2008 ore 21,00
parallel events “manifesta7” - Stazione di AUR-ORA (Bolzano).

23-24 Agosto 2008 ore 21,00
Bè Bolognaestate08 “ Reading sul fiume”- ( parco lungo Reno) Bologna.

17-22 Settembre 2008 ore 21,00
International Festival “ INFR' ACTION ”- Sète, Francia.

L'esperienza e i concerti di Poesia Sonora con Nicola Frangione sono orientati verso quella che alcuni artisti definiscono: “ drammaturgia delle arti”. L'attenzione al gesto come elemento espressivo fondamentale segna in maniera indelebile il suo lavoro. Abbiamo allora una vocalità che, da una parte, partecipa alle performances del corpo, ponendosi alla stessa stregua degli altri elementi linguistici, dall'altra, si manifesta in veste di protagonista, in tutta la sua compiutezza, in una dimensione sonora che si lega al testo e alla musica secondo modalità intermediali, rispettando gli orientamenti fondamentali della “poesia sonora”, ben consolidati in mezzo secolo di prassi e di osservatorio pragmatico.
A partire da “ vocecevovoce ”, del 1980, Nicola Frangione mette in cantiere lavori che si fondano sull'uso del testo e della musica in chiave sinergica, nel senso che tali elementi non sono semplicemente in un ottica di sola “spettacolarità”, ma vengono costruiti con reciproco sostegno al fine di “rivelare” la voce, di manifestarla “ poieticamente ”, di manifestarne la sonorità in tutta la sua pregnanza. Si tratta di “poesia del suono”, di un evento sonoro come oggetto artistico, dove testo, voce, musica sono in stretta fusione.
Il corpo, il suono, e i caratteri grafici della parola interagiscono sempre in un animale nomade che si trasferisce in spazi differenti è in movimenti dinamici , si modifica anche nella grafica filmica dello spazio-tempo.

Nel lavoro sonoro di Nicola Frangione , quindi, si registra un ampliamento ed uno sfondamento dello specifico tecnico; si va oltre il limite della produzione artistica di settore, ma nello stesso tempo è possibile ritrovare una “parola totale” che sa raccontarsi e anche farsi guardare, divenendo architettura, costruzione visiva, e poi suono ed eco figurativa di una tensione poetica per poter viaggiare meglio verso orizzonti totalizzanti.
Giovanni Fontana

In occasione dell'importante mostra In giro dedicata dalla Galerie Koma di Mons (Belgio) al collettivo italiano Mme Duplok (9 agosto – 4 settembre 2008), ha avuto inizio il progetto artistico “Portami con te” che vede coinvolte alcune delle più prestigiose istituzioni italiane dedicate all'arte contemporanea, tra cui la Fondazione Stelline di Milano e la GAM di Gallarate, divenute per l'occasione stazioni di partenza dell'operazione artistica.
Il progetto “Portami con te” prevede la moltiplicazione e la disseminazione di frammenti di opere già prodotte da Mme Duplok, frammenti imbustati e etichettati in modo tale che i vari colporteur potranno segnare il loro nome e i luoghi di partenza e di arrivo, nonché le stazioni intermedie. Alla Galleria di Mons sarà allestita una specie di “ruota degli innocenti” in cui potranno essere lasciati i pezzi che, successivamente, saranno utilizzati per realizzare l'intervento in mostra.
In totale verranno “spediti” circa 1000 pezzi, lasciati nelle mani di persone curiose e disposte a dare un “passaggio” inedito quanto significativo. Pezzi insomma di un grande naufragio alla deriva sul continente dell'arte.
“La circolazione di merci in veste di opere – dichiara Mme Duplok – con la loro moltiplicazione, frammentazione, frantumazione, dispersione, disseminazione, fagocitazione è l'unico lavoro possibile in un mondo cannibale. A Mons, grazie alla Galerie Koma, avremo la possibilità di lavorare in un insieme di spazi aperti e di spazi chiusi, cercando di realizzare con l'uso di tappezzerie, sedie, luci, fotografie e silhouettes un reciproco rovesciamento, una specie di valzer”.
La parola e l'azione va dunque ai viaggiatori…per dare un autostop a “portami con te”.

Mme Duplok
Si costituisce nel maggio 2003 associando personalità e competenze diverse negli ambiti dell'architettura,
della grafica, della filosofia. Come gruppo aperto, a partire da quella data partecipa ad alcuni concorsi
di public art, la quale viene a costituire lo specifico dei suoi interessi, della sua riflessione e del suo operare artistico.
Nel 2004 ha vinto il Premio di Arti Visive Città di Gallarate.
Nel 2006 ha partecipato alla XV Biennale di Parigi
www.madameduplok.it

La violenza sessuale è diventata reato contro la libertà personale e sessuale nel 1996. Prima di allora rientrava tra i delitti contro la morale e il buon costume. Questa legge fu sancita ben 51 anni dopo l'ammissione delle donne al voto (1945). In quel cinquantennio altre leggi avrebbero potuto accelerare il riconoscimento sociale della donna come individuo non in relazione all'uomo e alla famiglia. Nel 1960, per esempio, fu permesso loro di accedere a tutte le professioni prima riservate solo all'altro sesso, nel 1965 fu data la parità remunerativa, nel 1969 l'adulterio, sia maschile che femminile, non fu più un reato, nel 1975 si abolì la patria potestà per parlare di potestà genitoriale, nel 1978 fu permesso l'aborto, nel 1981 fu abrogata la rilevanza penale del delitto d'onore e del matrimonio riparatore in cui la donna - moglie, figlia o sorella - rappresentava una sorta di “contenitore” dell'onore maschile a cui era giustificata la difesa.
Oggi, sono bastate queste leggi a cambiare il ruolo e l'immagine della donna nella nostra società? La donna è oggi liberata da secoli in cui è stata culturalmente o la madre/santa o la sgualdrina/donnaccia?
La collettiva Ma-donne chiede alle artiste donne di interpretare questa contrapposizione. L'invito è quello di esprimere attraverso il linguaggio pittorico qual è l'immagine che meglio può rappresentare il processo evolutivo della figura femminile nella nostra società.
Se nel Dolce Stil Novo la donna era una figura angelicata quasi priva di carnalità, figura di mediazione tra l'uomo e Dio, oggi la donna è presente con la sua fisicità ovunque. La sua corporeità non è più solo oggetto, ma è anche consapevole macchina di seduzione che la donna usa a suo consumo. In questo fine non rientra solo la maternità, ma anche il suo piacere, il suo bisogno di conquista sociale.
La donna è oggi madre e amante e “donnaccia” e manager di se stessa nel mondo del lavoro. Ma sebbene la molteplicità dei ruoli sociali o la parcellizzazione dell'identità oggi appartenga ad entrambi i sessi, nella donna questi ruoli sono anche opposti tra loro, quasi fino ad annullare gli uni gli altri. L'uomo può essere padre, marito, amante e manager e tutto fila liscio, tutto rientra nel suo ruolo storicizzato nei secoli dei secoli. Per la donna no. O è sacra o profana, o è dolce o è forte, o è madre o amante a fatica queste sfaccettature convivono senza atriti, senza annullare a volte l'individuo.
L'essere donna oggi sembrerebbe l'essere frutto di una contraddizione di termini. Ma-donne, ma comunque donne ne esprime il senso, è una provocazione, un percorso, un riflessione con l'occhio delle donne che raccontano se stesse, i loro conflitti di identità, ma anche le loro soluzioni.

A dieci anni dalla sua scomparsa, Adro rende omaggio a Liliana Betti (1937-1998), illustre scrittrice adrense , una fra le più importanti figure del cinema italiano del Novecento, legata a Federico Fellini da un lungo sodalizio professionale ed umano.

La mostra dal titolo “ Federico Fellini e la sua musa – Disegni inediti della collezione Liliana Betti ” sarà ospitata, a partire dal 13 luglio fino al 19 ottobre 2008, all'interno delle sale settecentesche del Comune di Adro, con il patrocinio di Regione Lombardia, Provincia di Brescia, Fondazione Federico Fellini e Teatro Filodrammatici di Milano.

Oggetto dell'esposizione è un corpus di oltre 100 disegni in b/n e a colori, tutte opere autografe e per la maggior parte inedite di Federico Fellini, finora custodite nella collezione privata di Liliana Betti. La Betti, infatti, collaborò col grande regista affiancandolo sul set – nelle vesti prima di segretaria di produzione, poi di assistente alla regia – in occasione della lavorazione di quasi tutti i suoi capolavori: Giulietta degli spiriti (1965), Fellini Satyricon (1969), Amarcord (1973), Casanova (1976), La città delle donne (1980).
In seguito, Liliana Betti ha firmato come sceneggiatrice molte celebri pellicole, fra le quali le due ultime opere di Marco Ferreri, La carne (1991) e Diario di un vizio (1993).

I disegni in mostra, caratterizzati da un humour grafico paradossale e grottesco, offrono uno spaccato formidabile non solo del mondo intimo di Fellini, ma di una stagione importante del nostro cinema e del nostro costume.

La mostra è stata resa possibile grazie a Giuseppe Betti, fratello di Liliana che ha messo a disposizione la sua collezione di disegni di Federico Fellini.

Curatori : Enrico Ghezzi e Domenico Montalto

In questa personale, Mustica presenta una serie di opere che raccontano un percorso evolutivo che nasce dalla pittura, arriva alle forme tridimensionali e fino all'architettura. Diversi passaggi concettuali accomunati da un linguaggio unico e diversificato allo stesso tempo. CONCEPT e` il risultato di 14 anni di ricerca e di innovazione sui concetti della pittura che, tra le mille derivazioni, contamina le architetture contemporanee e ne diviene anima e metafora ispirante insieme.
A prima vista sembra la conseguenza piu` importante e necessaria.
Mustica e` stato il primo artista ad intuire il legame tra il colore e l'innovazione possibile delle forme; a questo ha lavorato incessantemente supportato dalla tecnologia di grandi aziende tra le quali Canon che, con le stampanti grande formato a 12 colori e strumenti avanzatissimi, consente lo sviluppo del pensiero e delle arti visive come gia` nel 500 faceva la famiglia dei Medici di Firenze.
La contaminazione nel lavoro di Mustica e` un concetto presente a tutti i livelli: pittura e architettura, da sempre legate, possono dare origine a nuove forme abitative.
Colore e pensiero possono far nascere nuove idee come la roto-traslazione che Mustica ottiene nei suoi grattacieli derivati dalla pittura. Arte e tecnologia possono originare progetti di sviluppo che pervadono i contesti evoluti e danno origine a forme di collaborazione trasversali e visionarie.
Mustica e` e resta un pittore, che riprende il cammino di Giotto verso un'arte pervasiva e totale e lo evolve verso il cielo degli skyline del futuro, cambiando volto alla citta` ogni volta che la citta` si volta.....
Francesco Cascino

Opening giovedì 12 giugno h. 18.30

13 - 29 giugno 2008

Stefano Civati Art Consulting
Via Mercato 3
Milano

Giunta alla terza edizione, quest'anno la rassegna artistica “B-Art experience”, organizzata dall'assessorato alla Cultura del Comune di Bussero, propone una mostra ideata dall'associazione “Arte tra la gente”. L'associazione, nata nel 2007 da un gruppo di pittori, scultori e appassionati d'arte, si muove con l'intento di portare l'arte nei luoghi vissuti dalla gente.

A ospitare la mostra “Le porte” non saranno spazi espositivi, ma piazze e strade del paese. Le opere dei venticinque artisti partecipanti saranno allestite in Piazza Diritti dei Bambini, in piazzetta del Mulino, nel parco di Villa Casnati e nel parco di via Bossi. Tutte le opere sono state pensate dagli artisti appositamente per questa esposizione. Si tratta di installazioni site specific: opere tridimensionali create con tecniche e materiali diversi, dal ferro al vetro, dalla carta alla plastica, nelle quali la collocazione ambientale diventa parte integrante della creazione dell'opera.

Il filo conduttore delle ventuno installazioni è il tema delle porte, diversamente rielaborato dagli artisti partecipanti. Le Porte nel corso del tempo hanno assunto un profondo significato e si prestano a svariate interpretazioni: tema interiore, psicologico, sociale, antropologico, storico.

Spesso la porta è stato il simbolo dell'ingresso, ma anche dello spazio segreto che vi è dietro, del potere misterioso su cui essa si apre.
Se il ponte indica un passaggio, la porta indica invece, in senso metaforico, l'accesso ad una zona.
La si può aprire o chiudere o attraversare, rappresenta quindi una soglia, un segno di confine che permette di accedere ad una condizione diversa dell'esistenza ad un'altro stato della coscienza.

Omeoart prosegue il suo viaggio attraverso la duplice strada dell'Arte e dell'Omeopatia.
Dopo il successo delle esposizioni di Milano (2003 e 2007), Ravello (2003) e Roma (2004), la Mostra “ Omeoart – Omeopatia nell'Arte ” sarà ospitata presso la prestigiosa sede di Palazzo Farnese a Piacenza , a partire dal 30 maggio fino al 4 giugno 2008 . Ad arricchire la collettiva sarà presentata una sezione di “Antiche testimonianze sull'Omeopatia” , documenti, lettere, che saranno esposti sia all'interno di Palazzo Farnese che presso il Castello di San Pietro in Cerro (Piacenza ), sede del Museo privato d'arte contemporanea MIM, grazie all'invito di Franco Spaggiari , suo fondatore.

L'edizione piacentina della Mostra si inserisce all'interno di “ Omeofest ”, il primo Festival Internazionale dell'Omeopatia, evento ideato dal Dr. Maurizio Botti , che nasce allo scopo di divulgare ed approfondire la conoscenza di questa antica medicina, fondata alla fine del XVIII secolo ad opera di Samuel Hahnemann .

Una ricca serie di conferenze, dibattiti, mostre d'arte, spettacoli teatrali e concerti saranno il mezzo per riflettere sull'Omeopatia attraverso un approccio scientifico, culturale e ludico insieme.

La Mostra “Omeoart – Omeopatia nell'Arte” (quinta edizione) è promossa dall'Associazione Omeoart il cui Presidente Onorario è Christian Boiron , filosofo, appassionato d'arte e Presidente del Gruppo Boiron e la cui vicepresidente è Alberta Mantovani , responsabile dei progetti speciali di Boiron Italia.

La collettiva presenta le opere di 42 artisti dell'Arte Contemporanea che, su invito di Francesca Bianucci , curatrice dell'evento e Presidente dell'Associazione Omeoart , hanno realizzato e donato all'Associazione un'opera inedita sul tema dell'Omeopatia , creando vere e proprie icone per un suo approfondimento esistenziale e culturale.

I codici espressivi sono variegati e vanno dal concettuale, al pop, al figurativo, alla poesia visuale, alla fotografia, alla grafica, al design, agli assemblaggi polimaterici; tutte le opere sono arricchite da preziosi racconti o brevi poesie scritte dagli artisti, dei veri, preziosi capolavori.

La mostra è dedicata a Pierre Restany , critico d'arte francese scomparso da qualche anno, noto in tutto il mondo per una vita spesa nella difesa e nello sviluppo dell'arte internazionale. Pierre Restany, che nel 2002 aveva iniziato con Francesca Bianucci la selezione degli artisti del primo nucleo, sosteneva che compito dell'arte è “ Gettare uno sguardo più vero ". Questo il senso della mostra in cui differenti personalità artistiche s'incontrano sul terreno comune dell' Omeopatia e del suo centro che è l'Uomo .

Il catalogo dell'esposizione, veicolo indispensabile di promozione della mostra, è la memoria storica di un evento artistico - culturale unico nel suo genere; in virtù di tale unicità è stato realizzato in tre lingue (italiano, francese, inglese).
La mostra “Omeoart-Omeopatia nell'Arte, dopo l'evento di Palazzo Farnese, sarà ospitata a Lione, in luogo istituzionale. Non si escludono altri percorsi internazionali dell'esposizione, in un allargarsi progressivo di interessanti prospettive.

“Tornare a Itaca nella geografia delle emozioni” (da una poesia di Kostantinos Kavafis) - Curatrice e critica Mimma Pasqua collaborazione di Olga Karasso

Il 17 maggio 2008 alle ore 17.30 presso la Biblioteca Comunale Cassina Anna, preceduta da una performance a opera di Valeria Coen, Cristina Crosara, Lorenzo Sangalli e Naima Ceccoli, si inaugurerà una mostra di arti figurative accompagnata da componimenti letterari che ha per motivo conduttore Il viaggio come ritorno. La Mostra terminerà il 29 maggio 2008. Alle ore 17.30 avrà luogo il Finissage con lettura di prosa e poesie.

Parteciperanno con le loro opere gli artisti: Patricia Bueno, Luciano Castellano, Luce Delhove, Mavi Ferrando, Rebecca Forster, Ruggero Gamberini, Anna Lambardi, Pino Lia, Giorgio Longo, Ruggero Maggi, Marco Magrini, Tonino Milite, Daniela Miotto, Giglio Pasotti, Lucio Perna, Lucia Pescador e Mirella Saluzzo.

Saranno presenti con saggi e poesie gli scrittori e i poeti: Franco Araniti, Ada Celico, Giovanni Chiara, Franco Gordano, Olga Karasso, Liliana Marchi, Tonino Milite, Paolo Orsi, Vittoria Palazzo, Pierluigi Pedretti e Francesca Rossoni.

Il viaggio come ritorno

Difficoltà di recuperare il passato e in particolare i ricordi dell'infanzia conciliando il vissuto che non esiste più con il rapido cambiamento. Disagio e sentimento quasi di straniamento segnano l'esistenza collocandola in una situazione di confine. Nel prossimo mese di agosto il viaggio della Mostra avrà, tra le altre, come tappa finale la città di Grimaldi (Cosenza), da dove è idealmente partita il 22 agosto 2007, con speciale riguardo al problema dell'emigrazione.

Mimma Pasqua

La "Chiamata alle Arti": un antico quartiere genovese che "diventa"… Montmartre . L'obiettivo è riuscire a creare in pieno centro di Genova un'inedita "cittadella delle arti", proponendo nel contempo un modello di riqualificazione urbana "altro", profondamente legato alla cultura ed una visione di futuro

A Genova da decenni si discute dell'assenza di spazi dedicati alla cultura ed al ruolo della stessa rispetto al presente ed al futuro della città. A differenza di altri centri italiani e capitali europee, Genova ad esempio non ha una piazza libera ed aperta ai pittori, una zona usufruibile anche “formalmente” dagli stessi, con le implicazioni positive che ne conseguirebbero. Piazza del Carmine, nel piccolo borgo omonimo di origine medioevale, annidato a poche centinaia di metri da Largo Zecca, una volta pedonalizzata, per dimensioni e posizione potrebbe rivelarsi un luogo adatto.  Specie se il Mercato Comunale semi dismesso (un solo banco in attività) venisse trasformato in un grande Centro culturale (altra carenza cittadina) su due piani, in parte dedicato a pittura e scultura ed i locali e fondi inutilizzati della zona coinvolti in un progetto specifico di recupero a tema (creazione di piccole gallerie d'arte, botteghe di pittori e artigiani, zone espositive, ecc.) legato anche ad “antichi mestieri” & artigianato (con particolare attenzione all'imprenditorialità giovanile e femminile nonché alla multiculturalità) a completare ed integrare il tutto. Il Carmine reca il potenziale di una piccola Montmartre grezza incastrata nel cuore della “Superba”; un luogo che è facile immaginare ripopolato da botteghe artigiane, piccole gallerie d'arte,  artisti al lavoro… senza smarrirne l'imprescindibile matrice “popolare”.  

Il progetto  “Il borgo del Carmine: Montmartre grezza di Genova”, a cura del Cantiere di Idee del Carmine  sarà presentato alla città insieme al neonato C.I.V. "Zecca - Carmine" con un evento speciale in programma domenica 25 maggio 2008 dalle 10 a seguire: la "Chiamata alle arti"... l'invasione di un nugolo di pittori al Carmine, con vari eventi collaterali  (visite guidate, interventi musicali, reading e aperitivi itineranti).  Dal 26 maggio prevista inoltre per la durata di due settimane un'esposizione estemporanea di opere all'interno del Mercato del Carmine, nell'orario di apertura della struttura (8-13 / 16-20 da lunedì a sabato).

La Performance art di poesia e danza è progettata “per il luogo”, con lo scopo di condurre il pubblico anche verso la drammaturgia del corpo come poetica in azione, Il nuovo progetto proposto è per il “Roseto della Villa Reale” sul tema “una Rosa è una Rosa”. Ci sembra evidente la disponibilità a riconoscere che l'ambiente è tale nel momento in cui è visitato e vissuto, elemento, questo, di notevole importanza per noi.

“ La rosa è per gli occidentali quello che il loto è per gli orientali: insieme di spiritualità e di terreno, la manifestazione di ciò che si eleva e sboccia al di sopra delle acque primordiali, il volto splendente della Madre. Designa la perfezione assoluta, un compimento senza difetti. Si può contemplare come un mandala orientale e considerarla un centro mistico occidentale. E' dalla ricca simbologia di questo fiore che scaturiscono le immagini per creare una performance per quattro danzatori. La partitura coreografica si elabora in assoluta armonia e rispetto del luogo che la ospita per assecondare e valorizzare l'inequivocabile bellezza del roseto, con interventi “silenziosi” che rivestono il luogo (con i costumi indossati dai danzatori) dei colori propri del fiore”.

I movimenti rievocano attraverso semplici azioni il significato sacro e profano della rosa e dei suoi colori: Rosa bianca detta anche rosa mistica, indica amore eterno e puro, libero dalla passione terrena. ma è anche simbolo di morte,simbolo di meditazione e di rigenerazione. Rosa rossa simbolo dell'amore che sopravvive alla morte, della rinascita per laici e religiosi. è, infatti, anche il simbolo del sangue versato dal crocefisso per la redenzione dell'umanità. Rosa rosa simbolo di serenità. Rosa gialla indica gelosia, altezzosità.

( ingresso libero )

Evento: mostra collettiva di pittura, scultura, grafica, fotografia, installazione, video.

Autori: brahim achir, davide babbi, emilia badalà, marialicia bagnolini, barbieri martino, leonardo borri, gloria campriani, federico capitani, gabriele caroli, adua castellucci, federico civolani, giovanna corsini, valerio de filippis, patrizio donati, giovanni elmi, marina fabbri, susanna fiorini, pietro franca, andrea franzoni, lorena grattoni, paolo maggi, giovanni manzo, paolo mattioli, manuela marchesan, mariano marini, rudy mazzoni, rosaria mignone, giovanni monti, luca nardi, nino nicosia, antonello paladino, laura piatti, claudio pattarin, daniele pezzoli, giovanna pieralisi, morena poltronieri, giuseppe rossi, elisabetta randi, irene seppi, alessandra sitta, silvia tagliaferri, sara sovrani, michele valbonesi, giulia valerio, annamaria ventura,maddalena zuddas.

Ognuno è abitato da una divinità interiore, e ognuno abita una propria intima città segreta. Saper riconoscere il sacro nella propria essenza, come riuscire ad oltrepassare le porte della misteriosa città dove si dipanano le nostre mille vite spirituali, ci avvicina all'illuminazione. Illuminazione anche stradale, dato che, né più né meno come nelle città reali, anche quella della nostra anima è fatta di vie, piazze, palazzi, insomma pietre e mattoni. Trasparenti però, per chi sa guardare ciò che le sue stesse apparenze cercano di nascondergli. L'artista ha la fortuna e la smisurata presunzione di voler mostrare anche agli altri quello che non si vede, o quello che emana troppa luce per essere visto. Dunque città talmente meravigliose, ma soprattutto costruite intorno alla grandezza fragilissima degli umani, e che perciò ai loro occhi rassegnati al grigio restano troppo spesso invisibili. Ma che rivelandosi sono capaci di mandarli in visibilio.

Giovanni Monti

L' ASSOCIAZIONE MERLINO ONLUS & CLUB EXCALIBUR" Amici dell'Arte" PRESENTANO la mostra " NEL CUORE ...NELL'ANIMA " del Rifugio degli Artisti" Ideato e condotto da Francesca Amat . Nello Spazio EXCALIBUR saranno presenti una cinquantina di opere realizzate da individui socialmente fragili e diversamente abili, che nel Rifugio degli artisti , ideato e condotto da Francesca Amat , trovano lo spazio per esprimersi liberamente. Accogliere un'opera del genere significa permettere a questi ragazzi di poter continuare la loro avventura., il loro crescere e condividere ciò che emerge emotivamente e si esprime attraverso l'esperienza pittorica. I lavori che presentiamo sono stati ispirati dalle opere di Kandinskj, Matisse, Picasso, Mirò e altri autori, dalle musiche di Bach, Mozart, Beethoven, Haydn... Le tecniche utilizzate sono miste e comprendono interventi di pittura, grafica collage su carta, cartoncino e legno, alcuni lavori eseguiti anche a più mani , proprio per socializzare e comunicare anche nell'ideazione e nell'esecuzione dell'opera d'arte. La mostra è stata realizzata grazie alla collaborazione degli Educatori e Volontari : Erika Sacchi, Grazia di Nunno, Alessio Silvola, Gianluca Biella, Giusi Silini, Francesca Solidoro, Luca Zaninetti, Mirella Ghizzardi, Daniela Ponte, Giuliano Montagnin, Federico Moretti, Michela Tadini, Stefano Monaco, Luigi Giulio Marta Moretti, Cristina Ciardullo , Alessia Lucini.

I visitatori dell'Anteprima potranno votare le opere migliori. I dipinti sono in vendita e il ricavato servirà a mantenere in vita lo spirito e l'attività dell'Associazione Merlino Onlus.

....Intendere l'arte come un gesto d'amore. Amore verso sé stessi, perché esprimersi è un passo verso l'autoconoscenza e la scoperta di ciò che si ha dentro. Compiere questo passo può far emergere oscurità come può far emergere gioia, sentimenti umani tradotti in opere fatte di gesti, colori, concetti, figurazioni. Il mio compito come pedagoga e come artista è quello di offrire gli strumenti per la libera espressione creativa per permettere a chi si accosta all'esperienza artistica di prendere coscienza della propria traccia espressiva come segno di sé. Creare le condizioni per favorire l'autostima, la consapevolezza delle capacità espressive, comunicative, nel bambino come nell'adulto e nel disabile. Arte quindi come amore verso la conoscenza di sé che può portare l'osservatore a sentirsi chiamato in causa. Un dialogo muto dove una porta dell'interiore si apre e si svela a chi la vuole accogliere.
Francesca Amat

CHI E' ASSOCIAZIONE MERLINO ONLUS

L'Associazione Merlino onlus opera sul territorio di Lesa a favore di individui socialmente fragili e nello specifico si rivolge a ragazzi diversamente abili, anziani e minori. Si impegna nella ricerca di persone qualificate che abbiano come obiettivo il benessere dell'utenza. Opera con altre Associazioni per l'inserimento nella struttura di persone diversamente abili, a questo proposito il sito web dell'associazione è in costruzione da un ragazzo disagiato.Lo scopo è di creare contesti in cui minori, anziani e ragazzi diversamente abili possano trovare spazio di crescita e di condivisione. L'Associazione investe e promuove nel volontariato nella convinzione che, attraverso l'integrazione sociale, individui socialmente fragili possano trovare un senso diverso nella propria vita, stringendo amicizie, condividendo esperienze ed emozioni legate alla crescita personale. L'Associazione è impegnata nella ricerca di volontari motivati e di personale qualificato che abbia una alta formazione professionale e che viva il benessere dell'utenza come obiettivo primario di volontariato per l'inserimento nella struttura di persone svantaggiate o diversamenteabili. Ha in progetto la banca del tempo per agevolare le esigenze delle persone anziane e/o disagiate.Ha dato vita ad un centro prelievi con l'ausilio di personale per andare incontro alle difficoltà delle persone anziane nel recarsi nelle strutture dell' ASL.Collabora con il Comune di Lesa nella gestione del personale dell'Asilo nido “Bubu” di Lesa e nella gestione del personale della Casa Alloggio per Anziani.
Nel novembre 2007 ha promosso e attivato “Il Rifugio degli Artisti”, Atelier artistico frequentato da ragazzi diversamente abili, educatori,anziani, giovani e volontari

Mostra collettiva  della serie 'Ultimo mercoledì del mese di fehr&ferrando' con opere di venticinque artisti contemporanei.

artisti:
Giuliana Bellini, Angelo Caruso, Francesco Ceriani, Francesco Cucci, Stefania Dalla Torre, Carola De Agostini, Pino Deodato, anna Rosa Faina gavazzi, Gretel Fehr,  Mavi Ferrando , LePrincipesse, Ligowsky, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Emanuele Magri, Monica Mazzoleni, Maria Mesch, Antonella Prota Giurleo, Walter Puppo, Luca Rendina, Evelina Schatz, Antonio Sormani, Spelta, Tamaso, Franco Tripodi

a cura di: Gretel Fehr e Mavi Ferrando

patrocinio: Citta di Corsico

La data del 25 Aprile per noi veneziani significa la festa di S. Marco, del tradizionale Bocolo e dal 1989 dell'happening de L'ALBERO della POESIA. Un happening artistico con letture, esposizioni e performance che si è rinforzato nel tempo per presenze sia a livello nazionale che a livello internazionale. Anche a questa edizione saranno presenti artisti provenienti da Belgio, Francia, Germania e dal lontano Bangladesh, ma con le loro opere partecipano artisti provenienti da 32 nazioni. Un incontro per comunicare, per conoscere e far partecipi. Un incontro aperto alla popolazione che non è chiamata semplicemente a vedere ma a partecipare. Quest'anno la manifestazione vede la collaborazione del Centro Culturale Candiani, dell'Assessorato alla Cultura del Comune di Venezia, dell'Associazione Culturale Venezia Serenissima e dell'Ambasciata di Venezia. Uno sforzo collettivo per la riuscita di una manifestazione che fa parte ormai dell' immaginario concreto come testimoniano i molti siti web, i giornali, i cataloghi e i seminari che parlano e discutono di questo manifestazione. Manifestazione nata a Venezia Mestre nel giardino e pertinenze di via Cavallotti 83/B e oggi ospitato nella struttura culturale più famosa della terraferma. Una manifestazione nata e destinata a restare fisicamente nella nostra città ma culturalmente appartenere alla globalizzazione positiva dell'arte .
GIANCARLO DA LIO

PROGETTO INTERNAZIONALE
AMBASCIATA DI VENEZIA

ITALIA TIZIANA BARACCHI, FIORENZO BARINDELLI, VITTORE BARONI, LELLO BAVENNI, MARIANO BELLAROSA, LANCILLOTTO BELLINI, ANNA BOSCHI, ALFONSO CACCAVALLE, BRUNO CAPATTI, LAMBERTO CARAVITA, PINO CONESTABILE, CARMELA CORSITTO, FRANCESCO CUCCI, CATERINA DAVINIO, MARCELLO DIOTALLEVI, MAURO GENTILE, CLAUDIO GRANDINETTI, GRUPPO SINESTETICO, PIERPAOLO LIMONGELLI, ORONZO LIUZZI, VALENTINO MONTANARI, VINCENZO MONTELLA, GIANNI NOLI, GIUSEPPE RICETTI, PAOLA RIVABENE, CLAUDIO ROMEO,  ROBERTO SANCHEZ, ROBERTO SCALA, DOMENICO SEVERINO, MARIA SPISSU NILSON, LUIGI STARACE, SALVATORE STARACE, GIOVANNI STRADA, LORETTA TODESCATO, CARLO VOLPICELLA, ROLANDO ZUCCHINI

ARGENTINA   MONICA MARISA CARRIZO, MARIA FERNANDA DOGLIA, HILDA PAZ AUSTRIA WILHELM SCHRAMM, ERICH SÜNDERMANN - BELGIO BERND REICHERT
BRASILE SERGIO MONTEIRO DE ALMEIDA - CANADA LA TOAN VINH
FINLANDIA PAUL TIILILA - FRANCIA JULIEN BLAINE, YOLAINE CARLIER, DANIEL DALIGAND, EUGENIE DUBREUIL, SYLVIE GALLET, REMY PENARD
GERMANIA MICHAEL FOX, KLAUS GROH, KARL F.HACKER, PETER KÜSTERMANN, SUSANNA LAKNER, SCHOKO CASANA ROSSO, LUTZ WOHLRAB - INDONESIA SETYO MARDIYANTORO - NORVEGIA JAROMIR SVOZILIK
OLANDA  RENEE BOUWS - SPAGNA J.M. CALLEJA, ROBERTO FARONA, BARTOLOME' FERRANDO, RAMON GIMENEZ, MIGUEL JIMENEZ, ALFONSO MANEZ, ANTONI MIRO, JESUS MANUEL MORENO MONTERO, SUSAN NASH, CESAR REGLERO - SVIZZERA LOTHAR TROTT - URUGUAY CLEMENTE PADIN - U.S.A. JOHN BENNETT, BUZ BLURR, REID WOOD

Il 12 Aprile 2008 a Corsico (Mi) all'interno dell'associazione culturale Gheroartè avrà luogo "Odiamolarte", party audiovisivo organizzato da Inv3rno Netlabel in collaborazione con il gruppo Whereis107 .

Odiamolarte è pensato come un evento multimediale al quale prenderanno parte artisti provenienti da diversi ambiti rappresentanti tipologie e tecniche eterogenee, appartenenti sia al mondo della grafica che della musica.
Un folto gruppo di creativi selezionati contribuirà con writing, streetart, fotografie e installazioni intervenendo sugli spazi offerti dalla location rielaborandoli e rivisitandoli secondo i propri gusti e stili personali.

Una parte dei lavori sarà orientata alla ristrutturazione visiva dell'area stazione F.S. di Corsico, in gestione all'associazione culturale partner/supporter dell'iniziativa.
L'evento aprirà le porte al pubblico in fascia pomeridiana con il vernissage e il dj set di accompagnamento al periodo di preparazione, per poi alzare i volumi nel dopo cena ricreando una situazione prettamente dancefloor tra videoproiezioni e sonorità elettroniche fino a tarda notte.

Le opere realizzate rimarranno in esposizione fino al 20 Aprile.

Free entry. Ulteriori informazioni ed elenco artisti: www.odiamolarte.org

www.myspace.com/odiamolarte

In occasione dell'evento verrà presentato il progetto vincitore del concorso: Crea il “cubotto” d'arredo Info: www.myspace.com/cubotto

Appello/Invito a tutte le artiste per una testimonianza visiva con opere di mail-arta cura di Quintocortile (Donatella Airoldi, Mavi Ferrando)
con la collaborazione di: Silvia Cibaldi, Gretel Fehr, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Antonella Prota Giurleo
Nello sconcerto e nell'indignazione che accomuna le donne in questo momento storico si è pensato di dare il via a una serie di iniziative visive-visibili per riaffermare dei principi che si ritenevano non più discutibili e per dire basta alle violenze di genere.

Pensiamo di organizzare con il materiale che riceveremo una serie di manifestazioni itineranti in spazi pubblici e privati a partire da Quintocortile. Chi invierà il proprio lavoro entro il 20 marzo prossimo parteciperà già alla prima mostra del 9 aprile. Le opere che arriveranno successivamente entreranno a far parte degli eventi successivi.

note tecniche
La prima mostra si svolgerà dal 9 al 22 aprile 2008 presso la galleria Quintocortile di Milano.
L' opera da esporre (una o due per artista) dovrà essere realizzata su cartone o cartoncino nel formato A5 (cm15x21) orizzontale o verticale a tecnica libera non in rilevo
Sul retro dovrà essere indicato chiaramente nome, indirizzo, telefono, e-mail .
La consegna delle opere sarà a cura dell'artista nei seguenti tempi :
Consegna a mano o posta tradizionale al seguente indirizzo:
Quintocortile – viale Col di Lana 8 - 20136 Milano
- per la prima mostra entro il 20 marzo 2008
- per le mostre successive entro il 30 maggio 2008
Le opere non verranno restituite - L'evento sarà pubblicato sul sito www.women.it/oltreluna
Per snellire e accelerare il lavoro di organizzazione non si daranno informazioni in forma personale
Tutti gli eventi verranno comunicati alle artiste partecipanti esclusivamente via e-mail

artisti:

Stefania Dalla Torre – Carola De Agostini

Mavi Ferrando – LePrincipesse

Monica Mazzoleni – Maria Mesch

Antonio Sormani - Tamaso

presentazione di: Evelina Schatz

Undici artiste raccontano in immagini “Una casa di carta per mia madre”

libro di Ada Celico
Rubbettino Editore
. .”Rivolgendosi alla madre morta, la voce narrante dipana il groppo doloroso di un abbandono che è cominciato molto prima della demenza senile e della tragica fine della donna e con il filo del discorso pesca e riconnette quasi inavvertitamente pose, battute e situazioni, tanto nella vita intima di una famiglia quanto nello sfondo ambientale di una terra difficile. E' come se la figlia solo ora con la madre si risolvesse a rielaborare il lutto comune dal quale comincia la loro storia di donne abbandonate.” Nicola Merola

Artiste: Zina Borgini, Maria Amalia Cangiano, Anna Finetti, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Sandra Mazzon, Maria Micozzi, Elisabetta Pagani, Lucrezia Ruggieri, Celina Spelta, Teri Volini.
Critica d'Arte: Micaela Mander

Programma:
 Venerdì 7 Marzo
 ore 19,00 - Inaugurazione mostra
ore 21,00 – Presentazione del libro
Relatrice: Luciana Tavernini
Attrice teatrale: Francesca Contini

Sabato 8 Marzo
Dalle ore 15 alle 20 - Apertura mostra
Ore 18,00 – Letture poetiche
Poete: Giusi Busceti, Ada Celico, Antonella Doria, Luciana Gravina, Anna Petrungaro, Melina Rende, Marta Rodini.
Interventi: Adalberto Borioli

Domenica 9 Marzo
Dalle ore 15 alle 19 - Apertura mostra

Dopo il successo della prima mostra, TRANSPORT+ riparte nel segno della creatività giovane; questa volta lo spazio espositivo viene affidato a due giovani scultrici milanesi che eseguiranno due installazioni site specific complementari. Lo scopo: indagare l'identità umana del luogo attraverso il dialogo tra lo spazio espositivo e lo spazio corporeo delle sculture. Protagonista: il pubblico, attore sociale che completa l'opera e la caratterizza attraverso l'esperienza vissuta e il suo processo mentale.
400 metri quadri. 1600 metri cubi . Ecco 500 Art Garage, vera e propria officina dell'arte in cui lo spazio diventa scena dell'attività artistica e punto di partenza della creazione.
E questa è la direzione in cui lavoreranno Claudia Canavesi e Nadia Galbiati, scultrici milanesi scelte dall'Associazione Passaporto per il progetto Transport+, per dare corpo allo spazio attraverso la progettazione ambientale partendo dal luogo di creazione artistica.
Arte o Architettura? O entrambe? Il lavoro delle artiste parte proprio dalla relazione storica tra due discipline parallele, spesso contaminate, per progettare lo spazio architettonico attraverso l'arte, creando vita. L'opera si inserisce nell'architettura per raccontarla e diventa spazio.La funzione dei materiali, così come la loro specificità, prescinde dal loro interesse visuale per diventare il punto di riferimento indipendente e indispensabile per orientarsi in uno spazio reso “sacro” solo dalla presenza delle cose e dal suo utilizzo funzionale e espansivo da parte dello spettatore.
Lo spazio diventa allora luogo di ricezione attraverso il passaggio e l'attraversamento dello spettatore, sequenza necessaria alla funzionalità dell'opera.
A guardar bene, le opere di Claudia Canavesi e Nadia Galbiati assumono il carattere “non concluso” di un'opera, che si completa solo dinnanzi al ricettore. Nello stesso modo, si tratta di installazioni non contemplative, che necessitano del coinvolgimento dello spettatore sia dal punto di vista motorio – passaggio, attraversamento – che intellettuale. Ecco perché l'oscurità del messaggio e la sua non decifrabilità è voluta. Spetta allo spettatore mettere in moto un processo di elaborazione mentale volto alla conoscenza, alla crescita e all'arricchimento interiore.
“ L'arte, nel suo ininterrotto fluire – spiegano le artiste – è dialogo con la materia; è relazione in divenire con l'uomo e con la natura. La scultura abita lo spazio e dialoga con esso, mettendo in moto un processo di creazione artistica dinamica e attiva” .
Ecco allora che l'architettura dello spazio cambia di forma a seconda del movimento e della soggettiva percezione visiva dello spettatore. Possiamo parlare di movimento concettuale, prodotto, quindi, dalla sensazione visiva con cui si percepisce il movimento di un'architettura come effetto dei propri soggettivi spostamenti nello spazio e la propria interazione con lo spazio.
“Vuoto e materia. Scultura totale”, che inaugurerà sabato 12 aprile 2008 e resterà aperta fino al 27 aprile, verrà presentata in anteprima il 29 febbraio in un work in progress volto a mostrare l'utilizzo dello spazio dinamico, mutevole e reversibile attraverso l'uso sapiente dei materiali e l'interazione e sovrapposizione dell'abilità delle artiste e dell'abilità del pubblico di percepire la realtà.
Lamiere di ferro, carta 100% cotone, pietra bianca di Vicenza i materiali. 400 metri quadri, 1600 metri cubi lo spazio. La materia realizza lo spazio; lo spazio determina la materia. I materiali come modo per caratterizzare il luogo in un continuo gioco di interrelazioni.
Ecco allora che 500 Art Garage, attraverso il lavoro di Canavesi e Galbiati, diventa allo stesso tempo officina, atelier, kunsthalle; ed ecco perché il motivo portante dell'installazione ambientale diventa la percezione, il comportamento, la memoria degli osservatori.
La mostra è accompagnata dal catalogo “ Claudia Canavesi & Nadia Galbiati: Vuoto e Materia. Scultura Totale” . Testi critici di Matteo Galbiati.
L'installazione di Claudia Canavesi e Nadia Galbiati è il secondo progetto di TRANSPORT+, realizzato dall'Associazione Culturale Passaporto in collaborazione con Transcultural Barcelona; con il sostegno di FIAT 500 in qualità di main sponsor, e con il contributo di Camera di Commercio di Torino, Consiglio Regionale del Piemonte, Fondazione Cassa di Risparmio di Fossano. TRANSPORT+ ha il patrocinio di Città di Torino e Regione Piemonte.

meditare nella materia per entrare nella natura delle cose, per mettersi in ascolto della propria sensibilità richiamata dall'enigma affascinante della materia.
La mostra offre allo sguardo dei visitatori materiali e tecniche differenti: si va dalla pittura che sconfina nella tecnica degli acquerelli, alla pietra scolpita, al legno scolpito e assemblato; percorsi che sviluppano impronte e tracce mimetiche nell'evolversi dei segni rimandando all'essenza della natura, a significazioni che lo sguardo può cogliere e/o intuire, come quando nel cielo il vento dispiega le nuvole reificando forme che dinamizzandosi richiamano paesaggi, luoghi, segni ancestrali, in una dialettica creativa in cui visione e dettaglio attuano una transizione tra interiore ed esteriore, forme organiche che ricreano sensazioni del microcosmo.

Lo Spazio Culturale Zerologico festeggia un anno di passione per l'arte contemporanea con una collettiva speciale: Anniversario Zero.
Lo spazio di via Anfossi dopo 14 eventi (mostre, reading letterari e laboratori creativi) propone al pubblico una selezione degli artisti che hanno arricchito il panorama dell'arte contemporanea con le loro opere durante lo scorso 2007.

Una collettiva che racconta lo spirito di Zerologico: passione per l'arte e la convinzione che credere nelle giovani promesse del contemporaneo non sia solo un dovere, ma una necessità per lo sviluppo dell'idea stessa di arte contemporanea.

Ed ecco che, attraverso le opere di questi nove artisti, l'arte si racconta nei suoi diversi aspetti: la curiosità, la passione, l'attenzione alla tecnica insieme alla sperimentazione, l'originalità.
Zerologico festeggia il suo primo anno con la voglia di portare alla luce quella straordinaria realtà creativa che va scoperta, ricercata, ma che una volta emersa non smette di sorprendere.

Gli artisti in mostra : Antonio Dell'Isola, Gruppo Anomala, Ida Rosa Scotti, Nino Romeo, Orticanoodles, Paola Verde, Paolo Robaudi, Senso, Simone Paloni

La poesia sonora appartiene a quel settore della ricerca artistica che si colloca tra letteratura, musica, arti figurative e teatro. Si tratta di uno spazio espressivo interdisciplinare dove la voce del poeta non costituisce un dato unicamente sonoro ma rappresenta l'elemento di raccordo diretto tra la corporeità e la scrittura, oltre i margini ristretti della pagina stampata. Nel programma proposto presentiamo tre appuntamenti con performances live di Nicola Frangione, Massimo Arrigoni, Antonello Cassinotti

martedì 12 Febbraio ore 22 – Nicola Frangione

martedì 19 Febbraio ore 22 – Massimo Arrigoni

martedì 26 Febbraio ore 22 – Antonello Cassinotti

Il 14 febbraio dalle ore 18 alle ore 21 Luca Scarabelli inaugura la mostra personale “ Bicycle race on the moon” presso la galleria Maria Cilena.
Luca Scarabelli è nato nel 1965. Ha frequentato il Liceo Artistico di Varese, e compiuto studi artistici anche presso l'Accademia di Belle Arti di Brera (Milano). In più occasioni, l'interesse per l'operatività in arte lo ha portato a confrontarsi con il sistema dell'arte anche come organizzatore di mostre e a collaborazioni editoriali, tra cui, il quaderno “Vegetali ignoti” (realizzato con Riccardo Paracchini, 1994-2003) dedicato all' esplorazione e in generale ai rumori dell'arte contemporanea e alla lettura. Dal 1998 l'attività pleonastica di Vegetali Ignoti è presente anche sulla rivista Juliet art magazine, con la rubrica parassita “Casi UmaniI”.

Dal 2003 al 2007 Scarabelli promuove il progetto “Click! ritratti fotografici di artisti contemporaneI”.

Il progetto, fino ad oggi, ha coinvolto un centinaio di studenti del Liceo Artistico di Monza e circa 250 artisti. Il progetto Click! è documentato in tre volumi fotografici.

L'opera di Luca Scarabelli si sviluppa a partire da problematiche post-concettuali che indagano attraverso il senso del colore e il principio dell'incertezza, le convenzioni e la retorica del fare pittura e scultura.

Installazione, disegni, fotografie, pittura, sono gli strumenti con cui organizza un mondo sfuggente ed enigmatico.

Con una cura meditata e riflessiva, concentrata sulle cose, rivisita i luoghi dell'ordinario, il sistema della percezione delle cose, le forme del quotidiano, proponendo un percorso in cui il concetto è subordinato ad una visione poetica che costruisce immagini inesplorate e misteriose, con scarti minimi e piccole variazioni della realtà.

La dialettica tra il disordine e l'ordine, tra il centro e la periferia, intese come forma di crescita e sperimentazione continua, sono gli strumenti privilegiati del suo sguardo, che sfrutta l'indifferenza e il distacco per avvicinarsi alla dimensione del dubbio e dell'evento, intesi come momenti in cui “accade la verità aperta dall'opera stessa”.

questo è il primo appuntamento di una serie di mostre curate da gretel fehr e mavi ferrando dai titoli improbabili che si terranno presso il nuovo locale 'Blanco café 20094' aperto recentemente lungo il naviglio grande alle porte di milano. una grande sala ad anello situata al primo piano sarà la sede di insoliti eventi d'arte contemporanea a partire dagli ultimi sabati del mese: un 'nonluogo' che sembra fatto apposta per ospitare opere intriganti e sperimentali. ci auguriamo che l'ultimo sabato del mese diventi un appuntamento fisso per gli amanti dell'arte e non.

espongono:

pino deodato, anna rosa faina gavazzi, gretel fehr, mavi ferrando, nadia magnabosco, marilde magni, luca rendina, franco tripodi

presenta: anna aurenghi

le rane bianche sanno della scala di beaufort. ci misurano la forza del vento che le solleva dall'acqua stagnante e le trasporta, arriva l'uragano di rane forza 12! volano, gracidano come ridere, salutano 'ciao ciao' e poi cadono cadono cadono .... ma 8 arrivano planando. chi sono?

Tra i principali artefici e protagonisti nel 1985 dell’esperienza milanese Brown Boveri, dalla metà degli anni ‘80 Garbelli comincia a realizzare i suoi primi interventi installativi. In seguito rivolge la propria attenzione al contesto urbano e compie i suoi primi interventi di ‘public art’. La segnaletica stradale, quella serie di segnali codificati che stabiliscono le norme per un ordinata viabilità automobilistica, è il primo e più vulnerabile bersaglio scelto dall’artista milanese. Ne stravolge i significati creando dei segnali nuovi dai contenuti inaspettati. Che siano pittogrammi o precise scritte, il significato che tali segnali assumono diventa ‘autonomo’, svincolato dalla logica della comunicazione informativa.
Per questa personale, dal titolo evocativo, Garbelli ha realizzato una sorta di campionario iconografico rivisitato della civiltà subacquea (monete, segnaletiche, vedute panoramiche) inventando di sana pianta ciò che la suggestione del mito e le assidue letture gli hanno ispirato.
Da sempre appassionato lettore dei grandi romanzi epici e d’avventura ambientati tra le acque tempestose degli oceani (Tifone di Conrad, L’Isola del tesoro di Stevenson, Moby Dick di Melville, Robinson Crusoe di  Defoe, Il Vecchio e il mare di Hemingway...) Garbelli non vuole ricostruire fedelmente o provare, come un archeologo, l’esistenza della città sommersa, quanto proporre uno spunto di riflessione sulle condizioni attuali dell’ecosistema marino, con tutte le problematiche ambientali portate dal ‘progresso’ della civiltà occidentale e dallo sfruttamento “turistico” delle risorse marine.
L’artista vi immagina ed ambienta un viaggio, documentato da un proprio diario di bordo e da prove “tangibili” di questa fantastica avventura. Trova reperti che espone come reliquie di una civiltà subacquea pacifica ed immune dagli errori del popolo “terrestre”, che osserva e dal quale impara cosa “non fare”. L’idea del viaggio mentale, dello spostamento ideale, è quindi di fondamentale importanza per comprendere il significato di un lavoro che vuole recuperare quel senso, ormai completamente perduto, di purezza della vita condotta in completa armonia con l’ambiente circostante, in una sorta di ritorno alla verginità della natura incontaminata senza assumere atteggiamenti polemici, né esprimere una patetica retorica di tipo ambientalista.

a cura di Alessandro Trabucco

La quarta edizione del progetto interculturale internazionale "LA LINEA DI PACE. Sabra e Shatila - Oltre l'Ultimo Cielo" è dedicata a Stefano Chiarini, avrà come tema centrale la guerra e le mine antiuomo e si svolgerà dal 30 novembre al 14 dicembre 2007 in sei appuntamenti sostenuti dalla Regione Abruzzo, dalle Province di Teramo e Pescara e dai Comuni di Giulianova, Pescara e Spoltore.
"La linea di pace" è un percorso ideato da Cam Lecce e Jorg Grunert, artisti e pedagoghi del Deposito dei Segni che da diversi anni operano in Libano conducendo laboratori di pedagogia teatrale e didattica artistica presso il Centro Al Jana di Beirut e nei campi profughi palestinesi.
La Dichiarazione Universale dei Diritti Umani - spiegano Lecce e Grunert - designa "l'insegnamento e l'educazione" come strada maestra per il rispetto dei diritti umani. Il progetto è perciò rivolto prevalentemente ai giovani e agli studenti degli Istituti di Istruzione Superiore e delle Università: il nostro intento è promuovere percorsi didattico-formativi in riferimento alle problematiche della pace e dei diritti umani con particolare riguardo alla questione dei profughi palestinesi in Libano, attraverso il cinema, il teatro, la letteratura, la poesia e conferenze, ospitando artisti, cineasti, docenti ed esperti della questione mediorientale.
Per introdurre il problema delle mine antiuomo, verrà proiettato nelle scuole il film-documentario "Childhood in the midst of mines: Infanzia tra le mine,"di Hicham Kayed. I protagonisti del documentario sono i ragazzi che vivono la loro quotidianità nei luoghi infestati dalle mine: campi, strade, giardini, boschi... una condizione che impedisce loro perfino di giocare. Le riprese sono state effettuate da giovanissimi filmaker sotto la supervisione di Hisham Kayed, regista, videomaker, delcentro Al- Jana di Beirut, all'interno del progetto: "Sensibilizziamo i bambini ai rischi delle mine". Il documentario girato ad Aiyta el Shaab nel sud del Libano nel 2002 è stato premiato nel Kids for Kids festival di Bologna ; e nel Festival Internazionale dei "Bambini e Giovani" del Cairo (Egitto) 2003.
Gli incontri avranno inizio venerdi 30 novembre a Spoltore presso la Società Operaia Mutuo Soccorso. Alle 21 verrà proiettato il film-documentario "R-Esistenze" di Marco Pasquini: cinque donne, tornate da pochi giorni nel loro villaggio, Srifa, nel sud del Libano, raccontano l'esperienza dell'ultima guerra. Cinque esistenze, tra più di un milione di persone costrette ad abbandonare le proprie abitazioni, rese profughe dagli intensi bombardamenti israeliani in zone abitate da civili. Il documentario ha vinto il premio "Vela D'Argento" a Bellaria Film Festival e premio miglior documentario ad "Hai Visto Mai?", 2007. Alle 22 ci sarà un incontro con i pedagoghi del Deposito dei Segni Cam Lecce, attrice e J”rg Grunert, scultore perfomer .
Lunedì 3 dicembre un nuovo incontro a Pescara presso il cinema Teatro S. Andrea di Via del Concilio per le scuole: dopo il saluto di benvenuto alle 9, verrà proiettato il film-documentario "R-Esistenze" di Marco Pasquini e alle 10,30 avrà luogo una conversazione con Monica Maurer, regista, esperta cinema palestinese, e con Sandro Casalini, giornalista Rai, esperto di cronaca estera.
Stessa formula per martedi 4 dicembre a Teramo, nella sala conferenze dell'Universit… degli Studi - Coste S.Agostino a Colle Parco: alle 9 il saluto di benvenuto, alle 9,30 la proiezione di "R-Esistenze" e alle 10.30 l'incontro con Monica Maurer e Sandro Casalini.
Mercoledì 5 dicembre invece, a Giulianova presso il Kursaal sul lungomare Zara l'incontro verr… condotto solo dai pedagoghi del Deposito dei Segni.
"La linea di pace" si chiuderà con due matin‚ e a Pescara martedì 11 dicembre (cinema teatro Sant'Andrea) e a Teramo venerdì 14 (spazio danza Electa in via de Paulis) con il reading-performance "Non sparisco dalla terra", con Michelangelo Del Conte, Cam Lecce, Jorg Grunert e Fabrizio De Fabritiis. Verranno letti racconti e poesie di Ibrahim Tuqan, Fadwa Tuqan, Rashid Husayn, Samih al-Qasim, Samira Azzam, Ibrahim Nasralla, Mahmud Darwish. La poesia e la narrativa palestinese - spiegano Cam Lecce e Jorg Grunert - rappresentano un frammento della vasta letteratura araba. Sono una scrittura fortemente permeata dalla presenza del dramma storico, civile e politico del popolo palestinese. Una scrittura di impegno civile si potrebbe definirla. I temi dell'amore sono intrecciati con quelli dell'esilio, della nostalgia, del diritto alla terra, della condizione dell'individuo nel coacervo di contraddizioni, impossibilità e desideri. Una scrittura che ben esprime le grandi capacità stilistiche e poetiche dei suoi autori.

Il grande mistero dell’universo esplorato da Paolo Barlusconi

Da cosa nasce cosa, secondo il principio deterministico che vuole ogni oggetto semplice prodotto da automatismi meccanici. Uno stampo, una trancia, una calandra lo hanno sagomato o modellato, pronto per entrare nel quotidiano; elemento anonimo di sistemi complessi o singolo elemento di uso comune, il più delle volte, è prodotto per essere consumato distrattamente e destinato velocemente al riciclo o all’inquinamento ambientale. Eppure è figlio di un’idea, un principio di utilità o di bellezza, di un a priori intelligente che ne ha permesso l’esistenza anche se effimera e ne giustificherebbe un passaggio di stato, una archeologizzazione dinamica nell’area affettiva del pensiero collettivo. Questo principio salvifico credo si possa considerare idea guida di Paolo Barlusconi nel raccogliere con pervicace volontà una quantità indescrivibile di oggetti da classificare, quasi fossero individui appartenenti a specie botaniche in estinzione, e da riusare come elementi, segni alfabetici o lemmi del proprio racconto. In ogni opera che realizza, più che plasmare la materia secondo i principi della pittura o della scultura, la conduce attraverso una sorta di passaggio di stato, pone in comunicazione due universi paralleli attraverso una sorta di black hole concettuale. Concentra l’attenzione sulla intelligenza degli oggetti trasformando questa in qualcosa di completamente differente lasciando i corpi essenzialmente inalterati. Un percorso di analisi, questo, che dà seguito coerente ad una ben collaudata esperienza dell’autore nel campo della macrofotografia, quando particolari di piante o di elementi inanimati erano da lui collazionati in un unico erbario atipico. Lo interessavano e lo interessano le forme a prescindere dal rapporto di scala della standardizzazione fotografica rispetto al soggetto; i rapporti di proporzione armonica sono fondamentali in ogni sua composizione dove tutto si confronta con le misure perfette del quadrato o della sezione aurea. La spirale logaritmica, che sottende la fillotassi nel mondo vegetale, definisce le superfici dei pannelli rettangolari su cui lavora o governa la distribuzione degli elementi su di essi mentre il cerchio, duplice nella sua natura simbolica e ampiamente saggiato nelle opere più recenti, fa da limite concettuale e ideale al rapportarsi della visione di un universo perfetto, misurabile ed esperibile con quella di un cosmo infinito ed in continuo divenire. Cerchio con due anime e due misure, delle quali potremmo argomentare come, per la prima, il centro del compasso che ne traccia la circonferenza si colloca con precisione nel qui ed ora mentre, per la seconda, il punto di appoggio si situa nel non-luogo e non-tempo, all’origine del tutto. Chiedendoci “Chi siamo? Da dove veniamo? Dove andiamo?” - Oppure: “Che cosa siamo? Dove siamo? Come mutiamo e perché?” O ancora, facendo sfuggire il nostro punto di osservazione dalle vicende del mondo, ponendo le medesime domande nei confronti dello stesso, riattualizziamo domande fondamentali, madri di tutti gli interrogativi che costellano tutte le discipline, siano esse scientifiche che umanistiche. Paolo le riscopre come proprie, navigando trasversalmente, in profondità e in altezza tutta la loro estensione, trovando/offrendo, nella forma compiuta delle opere, sintesi e risposta dinamica a quesiti contemporaneamente sia esistenziali che di approfondimento intellettuale. Superata l’autoreferenzialità dell’arte, purtroppo fin troppo diffusa nella cultura contemporanea, trova il coraggio di ricercare sempre nuovi e inaspettati confronti con problematiche inerenti i processi cognitivi. “Osservando la volta celeste, cercando di superare la sensazione di fragilità e transitorietà umana che la visione del cosmo ha generato in me come penso in chiunque tenti di penetrarne i segreti - così mi ha confessato recentemente - ho dato una svolta fondamentale alla mia creatività, riscoprendo la ricerca scientifica in sinergia con quella artistica e inoltrandomi in un territorio estremamente fertile di prospettive”. Sono nate così molte delle opere presenti in questa mostra dal titolo Cosmogonie e, alla ricerca di un dialogo più approfondito e ricco, l’idea di invitare ad argomentare sul tema chi in altre discipline possa confrontarsi in modo specifico e contemporaneamente scevro da pregiudizi. Il frutto ne sono stati i saggi raccolti che vanno a toccare gli ambiti della fisica, della matematica, dell’astrofisica, della letteratura e della filosofia, della mitologia e quant’altro, grazie alla disponibilità e all’entusiasmo di vecchi e nuovi compagni di confronto interdisciplinare.
Michele Caldarelli

Come ogni anno, dal 3 al 7 dicembre, artisti da tutto il mondo si ritrovano a Livigno per Art In Ice, il Concorso internazionale di sculture di neve, giunto quest'anno alla XII Edizione grazie a Lungolivigno. Cinque team stranieri e cinque team italiani si affrontano per modellare un cubo di neve pressata alto tre metri e trasformarlo in un'opera di arte contemporanea. Un lavoro lungo, in condizioni estreme, visto che il termometro scende parecchi gradi sotto lo zero. Saranno presenti artisti provenienti dal Messico, dall'Olanda, dalla Repubblica Ceca, dalla Polonia e dalla Spagna e da tutt'Italia.
Le opere costituiranno un museo a cielo aperto, nella meravigliosa piana denominata Art in Ice Village, fino a tornare acqua e sparire nella natura con il calore del sole primaverile.
In occasione del centenario del Credito Valtellinese, sponsor storico, è stato istituito il "Gran Premio Centenario Credito Valtellinese", che sarà assegnato dalla giuria alla migliore opera.
Il quartier generale di Art In Ice è l'Hotel Lac Salin Spa & Mountain Resort, da sempre legato a questa manifestazione. Le sculture delle passate edizioni si ritrovano nelle foto presenti in tutte le camere mentre nella lounge si possono ammirare i bozzetti e i progetti.
Novità 2007 è l'Undicesima Scultura, un'installazione unica, posta al centro della sala. Un candido e minimalista cubo che accoglierà al suo interno lo spettatore, portandolo alla scoperta della video-arte di Michele Violante. Il visitatore dell'Undicesima Scultura potrà toccare, ascoltare, vedere l'arte.
Sedendosi su un comodo divano a due posti, indosserà un paio di cuffie e si lascerà trasportare dalle immagini e dai suoni della proiezione in una nuova dimensione emotiva. Sarà possibile visitare l'Undicesima Scultura per tutta la durata della competizione Art In Ice e della stagione invernale. Sarà un modo nuovo di avvicinarsi alla land art, un approccio inconsueto a un elemento artistico naturale e plasmabile come la neve. La guarderà da una prospettiva inaspettata, portando per la prima volta l'osservatore dall'esterno all'interno, in un luogo nuovo e privilegiato: il cuore dell'opera d'arte.
Il mondo della moda è testimonial dell'evento fin dal suo esordio grazie ad aziende quali ERMENEGILDO ZEGNA, BALLANTYNE, BRUNELLO CUCINELLI e HISTORIC RESEARCH che continuano a rinnovare il loro impegno e il loro entusiasmo nell'adottare le meravigliose ed effimere sculture di neve.

Il MAU- Museo d’Arte Urbana di Torino è il primo progetto in fase di concreta realizzazione, in Italia, avente come scopo il dar vita ad un insediamento artistico permanente all’aperto collocato all’interno di un grande centro metropolitano, con in più il valore aggiunto di essere iniziativa partita non dall’alto ma dalla base, complice il consenso ed il contributo fondamentale degli abitanti.
Il nucleo originario del MAU è sito nel Borgo Vecchio Campidoglio, un quartiere operaio di fine’800, collocato tra i corsi Svizzera, Appio Claudio e Tassoni, e le vie Fabrizi e Cibrario, non distante dal centro cittadino.
Una porzione di spazio urbano miracolosamente salvatasi dagli sventramenti operati dal Piano Regolatore del 1959,  che ha mantenuto pressoché intatta la sua struttura a reticolo costituita da case basse con ampi cortili interni dotati di aree verdi, suddivise da vie strette, il tutto a favorire il rapporto di comunanza tra gli abitanti ed una tipologia di insediamento, in una zona semicentrale di Torino, tale da farne un “paese nella città”.
Nel 1995 matura, nei promotori del Comitato di Riqualificazione Urbana ,già da alcuni anni impegnati in una rivalutazione delle peculiarità urbanistiche ed architettoniche del Borgo, l’intuizione di allargare la propria sfera di intervento all’arte, coinvolgendo i cittadini nelle scelte.
Vengono a tal proposito invitati a fornire il proprio parere, dall’allora Presidente del Comitato  alcuni  operatori culturali cittadini, tra cui l’estensore della presente, all’epoca membro del Direttivo dei Musei e delle Mostre della Città di Torino, già da anni impegnato sul fronte del rapporto tra arte e territorio.
Il sottoscritto individua nel Borgo Vecchio l’ambito ideale per l’applicazione concreta dei suoi intenti e, coadiuvato in maniera determinante dall’arch. Giovanni Sanna e dall’Accademia Albertina di Belle Arti, nella persona del Prof.  Carlo Giuliano, inizia un lungo cammino progettuale, fino agli esiti attuali.
Dagli esordi, non facili, ad oggi, sono state prodotte 68 opere murarie all’interno del Borgo Vecchio, alle quali si sono affiancate, nel maggio 2001, altre 36 nuove installazioni costituenti la “Galleria Campidoglio” per un totale di 104. Quest’ultima, componente organica del Museo d’Arte Urbana, è sorta per volontà del Centro Commerciale Artigianale Naturale Campidoglio, all’interno delle iniziative del Piano di Qualificazione Urbana, promosso dagli Assessorati al Commercio di Comune e Regione. Si tratta di opere formato cm. 70 X 100, collocate permanentemente sulle pareti tra i negozi di via Nicola Fabrizi e corso Svizzera, protette da teche di plexiglas, che sono state dotate di illuminazione permanente lo scorso mese di marzo.
Il 2001 è stato un anno fondamentale per un lancio definitivo dell’immagine e del ruolo del MAU in ambito cittadino e nazionale, coronato dall’inserimento nella “Carta Musei” della Regione Piemonte.

I nostri prossimi obiettivi consistono nel costante proseguimento, in quanto non si potrà certo mai sancire una definitiva conclusione dei lavori,  del ciclo di opere murali nel Borgo Vecchio, ed il successivo allargamento degli interventi ad altre porzioni di territorio.
Si immagina, se giungeranno i necessari contributi dagli enti pubblici e dai privati, la realizzazione di sculture ed installazioni permanenti in zone del quartiere quali Piazza Risorgimento e l’area mercatale di Corso Svizzera, nonché nei luoghi maggiormente degradati della Pellerina, e l’individuazione di un ampio locale espositivo che possa adempiere all’ambiziosa funzione di “Centro per le Arti Contemporanee”, corollario ormai indispensabile per un pieno sviluppo delle attività del  MAU che pensiamo, allo stato delle cose, possa essere individuato tramite un impiego almeno semestrale degli ampi ed affascinanti locali del Rifugio Antiaereo e del contiguo parcheggio interrato di Piazza Risorgimento.
 
Tra il 2002 ed il 2007 sono state prodotte le opere murali di Salvatore Astore, Enrico De Paris, Sergio Ragalzi, Angelo Barile, Theo Gallino, Antonio Mascia, Claudia Tamburelli, Santo Leonardo, Giorgio Ramella, Roberta Fanti, Daniela Dalmasso, Vittorio Valente,  Andrea Massaioli , Antenore Rovesti, Bruno Sacchetto, Alessandro Gioiello, Gianluca Nibbi, Alessandro Rivoir, Matteo Ceccarelli, Pasquale Filannino,  Marco Bailone, Paola Risoli, Fathi Hassan. Gaetano Grillo. Sono stati inoltre restaurate e parzialmente rifatte opere murali di Alessando Rivoir, Enzo Bersezio ed Antonio Carena. Il 14 luglio 2004 è stato presentato al pubblico il primo catalogo riassuntivo dell’attività del MAU, stampato a cura della Regione Piemonte, che sarà periodicamente aggiornato ed è stato rifatto, nel 2006, il nostro sito internet, realizzato con tecnologie d’avanguardia che permetteranno, tra l’altro, un tour virtuale del Museo.  E’ inoltre cresciuto l’interesse degli organi di informazione attorno alle attività del MAU così come la richiesta di visite guidate, ed è giunta, da parte del Comune di Torino, oltre all’inserimento nelle iniziative di “Torino contemporanea : luce ed arte”, l’invito a far parte degli itinerari turistici di “Torino non a caso”. Sono stati inoltre organizzati itinerari didattici con Palazzo Bricherasio e lo IED Istituto Europeo di Design.
Dal gennaio 2007 è stato insediato un tavolo di lavoro con gli Enti pubblici con l’obiettivo di inserire il MAU all’interno della Fondazione Torino Musei.
Nell’estate 2007, insieme all’Associazione umanitaria International Help Onlus è stato elaborato il progetto di un film documentario sul Museo d’Arte Urbana e, più in generale, sulle molteplici storie individuali e collettive del Borgo Campidoglio.
 
Edoardo Di Mauro, Presidente e Direttore Artistico del Museo d’Arte Urbana.

Memoria Esterna è un ritratto video atipico di Milano. Un archivio imprevedibile della geografia cittadina, della sua storia e delle relazioni affettive tra i luoghi e coloro che li hanno vissuti o anche solo attraversati.
Nata da frammenti di storie raccolte da ZimmerFrei, autore collettivo del progetto, l’opera utilizza il racconto come raccordo fra storia personale e storia collettiva, esplorando i rapporti di prossimità o distanza fra evocazione orale e visualizzazione dei luoghi, fra suono e immagine.
Memoria Esterna innesca un processo potenzialmente infinito, costruito dal continuo alternarsi di pieni e vuoti, quasi come un mosaico mancante di alcune tessere, capace di creare un meccanismo di aspettativa e di tradimento della stessa.
Numerose sono le collaborazioni attivate dal progetto: dalle persone coinvolte nelle ricerche a coloro che hanno raccontato le storie, da chi ha partecipato alla realizzazione tecnica del video agli artisti selezionati dall’Archivio C/O Careof & Viafarini, Meris Angioletti e Cecilia Pirovano, che hanno seguito la fase di riprese e realizzato le fotografie di scena.
Nell’ambito del progetto sono stati creati due momenti di “espansione” del lavoro stesso.
Nel primo, presso La Triennale di Milano (12 maggio 2007), gli artisti hanno condiviso con il pubblico i materiali e il processo di creazione di Memoria Esterna.
Nel secondo, dal 23 al 25 ottobre 2007, Careof e ZimmerFrei hanno organizzato un workshop aperto a 8 persone di varia provenienza, dal mondo dell’arte, all’architettura, alla comunicazione, con l’obiettivo di far entrare i partecipanti in prima persona nella dimensione del racconto, e al tempo stesso analizzare le dinamiche di costruzione di un progetto come Memoria Esterna.
Hanno partecipato al workshop Luciana Andreani, Paolo dell’Acqua, Gianluca D’Apuzzo Antonietta Foschini, Alessandra Giannandrea, Sabina Grasso, Alberto Guidato e Claudia Maina.
Memoria Esterna (2007) è il primo appuntamento di Ritratti. Percorsi video a Milano, una serie di produzioni video di Careof a cura di Chiara Agnello sulla Città di Milano, commissionate ad artisti italiani e internazionali.
Memoria Esterna è stato realizzato in collaborazione con la Provincia di Milano e presentato in anteprima presso La Triennale di Milano in occasione di inCONTEMPORORANEA la rete dell'arte - Numero Uno (11-12-13 maggio 2007).
In mostra a Careof  (31 ottobre – 24 novembre 2007) sono visibili il video Memoria Esterna, le interviste integrali dalle quali sono stati estratti i frammenti di racconto, le foto scattate durante il set, i racconti sonori realizzati dai partecipanti al workshop.

La galleria Kernot Art e Eleonora Mayerle hanno il piacere di annunciare l’esposizione personale del fotografo Teodoro Lupo in cui verranno presentate dieci fotografie estratte dalle serie intitolata Von hier an blind.
Dal 15 al 18 novembre, inoltre, la galleria parteciperà alla prestigiosa fiera DiVA – Digital and Video Art - che si svolgerà al Louvre des Antiquaires. Per informazioni: www.divafair.com.

Con Von hier an blind (Da qui come cieco) il giovane artista italiano, ma berlinese d’adozione, Teodoro Lupo propone una serie di fotografie di grande formato (70x104cm) incentrata sul tema della percezione notturna di luoghi e cose, metafora di quel non-vedere che acuisce tutti gli altri sensi.
Guardando le immagini di Lupo, infatti, sembra quasi di poter sentire lo scricchiolio dei passi sulle foglie, l’odore intenso della terra, i silenzi improvvisi del bosco e della città addormentata. Ed è tra queste due apparenti antagoniste che l’artista propone un percorso riflessivo e sensuale passando dagli scenari quotidiani di edifici e parcheggi che ora si fanno evanescenti ed astratti, ora si cristallizzano sulla retina come squarci di luce nel buio, alla pacata quiete della natura rassicurante e, allo stesso tempo, misteriosa ed oscura.
La notte nelle sue tante declinazioni è il momento in cui prendono forma intimi pensieri, segrete aspirazioni, inattese intuizioni, così come sembrano emergere i soggetti dalla superficie densa delle fotografie, quasi affiorassero da un mare oscuro in cerca di luce e nitidezza ma, timide, si ritraessero subito.
Le immagini di Lupo non vogliono rappresentare la visione precisa di scenari notturni, ma l’incertezza di chi, ritornato a vedere chiaramente dopo molto tempo, dubitasse di quella verità che i suoi stessi occhi gli propongono. La notte è, infatti, anche il regno del dubbio, dell’ambiguità. E’ il luogo dell’inquietudine, ma anche quello del riposo, del raccoglimento, in cui si può infine trovare pace.
Per realizzare queste fotografie, l’artista è ricorso anche a lunghe esposizioni per sfruttare adeguatamente la luce artificiale presente sulla scena, ed ogni immagine, presentata singolarmente o come dittico, prende il nome di una persona sia essa quello della strada o della piazza in cui si trovava, di qualcuno presente o di qualcuno, infine, a cui l’opera è dedicata.
Eleonora Mayerle

Alejandro Quincoces ritorna ad esporre a Milano con una mostra ispirata alla città di New York, metropoli per eccellenza e simbolo dell’uomo moderno. Lo stesso autore racconta di essere tornato nella grande mela per scattare nuove fotografie, dalle quali hanno preso vita  questi dipinti. Non si tratta però di una fedele riproduzione dell’immagine fotografica, ma di un’interpretazione del paesaggio urbano del tutto personale,  che diviene una sorta di alterego dell’autore, intriso di passione e drammaticità.
La città così si trasforma sotto le mani dell’autore che sembra riplasmare gli stessi volumi urbani attraverso la materia pittorica. L’immagine non appare mai nitida, come se una leggera nebbia ricoprisse ogni cosa, sfumandone i contorni e appiattendone i colori. Solo i bagliori provenienti dai semafori e dai fari delle macchine in corsa illuminano a tratti la carreggiata, creando dei punti di luce che contrastano con il grigio di fondo. Il cielo è denso, livido, con una luce fredda da meriggio invernale. Il risultato è una città quasi irreale, trasformata da questa densa bruma in una visione “romantica” che rimanda ai paesaggi di Turner e Friedrich.
Attraverso la sua pittura Quincoces riesce a nobilitare la prosaicità di una veduta urbana donandole un’intensità e una bellezza propria forse solo della natura, assieme crudele e sublime.

C/O Careof inaugura la nuova stagione espositiva con produzioni di artisti italiani e internazionali selezionate da Chiara Agnello fra i materiali entrati nell’ultimo anno a far parte dell’Archivio Careof & Viafarini.
In mostra si alternano 25 lavori – con il ritmo di due al giorno - fra opere video e progetti sonori. Dalle animazioni di Rebecca Agnes e Marco Raparelli, alle creazioni di stampo cinematografico di Italo Zuffi e di Yuri Ancarani, alle storie descritte in immagine da Meris Angioletti, alle atmosfere evocate dai video dal carattere pittorico di Massimo Pianese, alle situazioni paradossali osservate da Iacopo Miliani o Brodie Ellis. Documentazioni tutt’altro che oggettive del reale sono le produzioni di Marco Belfiore, Luciana Andreani e T-Yong Chung. Di Enzo Umbaca viene presentato un progetto multimediale di ampie dimensioni dal quale è nata una performance, un video e un cd audio.
Molteplici anche gli approcci che caratterizzano le produzioni sonore: se i progetti di artisti quali Riccardo Benassi, David Balula e Guido Affini nascono dall’indagine di uno spazio reale, quelli di Francesca Grilli, Donatella Spaziani e Giuseppe Signorin sfruttano il mezzo per la sua capacità d’indagine intima ed introspettiva. Dall’isolamento di alcuni dettagli, sino alla messa in gioco e allo scardinamento di meccanismi presi a prestito da veri ambiti – dal cinema, alla cultura musicale, alle scienze applicate - nascono invece i lavori di Robert Vincent, Stanislao di Giugno, Nark Bkb, Gabriele Sedda e Beatrice Catanzaro.
Per il grande platano che sovrasta il giardino dello spazio espositivo, Emilia Scharfe ha realizzato Funambolo, una complessa installazione site specific. Intrecciando 2000 metri di corda di cocco con la tecnica ad uncinetto, l’artista tedesca ha avvolto – proteggendo e costringendo al tempo stesso - l’intero tronco dell’albero.
Spiazzante e malinconica, la performance Muta di Davide Savorani ripropone durante l’inaugurazione un’interpretazione sonora in loop della canzone Mbube (The lion sleep tonight).

Per l’installazione Funambolo si ringrazia LEGGERI GROUP

1977 Elvis Presley, il Re del Rock’n’Roll, muore a Memphis.
1977: BOLOGNA
Nella città più Sovietica dell’Occidente, alcuni giovani sperimentano modi di vivere alternativi. Destinati a diventare operai ed impiegati, sognano invece una vita da rockstar e decidono di essere musicisti, pittori, scultori, registi.
1977-1983: VIA CLAVATURE 20
In un appartamento nelle adiacenze di Piazza Maggiore occupato dal Movimento del  ‘77, Huber, Scozzari, Lavagna, Raffini e altri danno vita alla  TRAUMFABRIK, studio creativo, atelier di produzione artistica e musicale ed esperimento socio-psichiatrico.
Dalle profondità della TRAUMFABRIK emerge una visione del mondo apocalittica ed uno stile di vita estremo,  in sintonia con il movimento Punk e New Wave inglese e americano. I  fumetti underground di Cannibale e Frigidaire(Andrea Pazienza , Filippo Scozzari e Nicola Corona). Gruppi  musicali come Centro d’Urlo Metropolitano, Gaznevada, Stupid Set, Tide Toast, Snowblitz dj,  Marconi Connection, Merrik Brothers, After Bomb Boys, Billy Blade & the  Electric Razors e Hi-Fi Bros(Ciro Pagano, Alessandro Raffini, Giorgio Lavagna, Marco Dondini, Gianluca Galliani, Marco Bongiovanni, Gianpietro Huber, Umberto “Larry” Lazzari, Paolo Bazzani, Oderso Rubini, Fabio e Marco Sabbioni, Flavio Vecchi e Roberto Carrara).  Videomakers come Grabinsky (Renato De Maria, Emanuele Angiuli). Un laboratorio di ricerca nel campo della tecnologia del suono e dell’immagine come Superfluo (Francesco Chiarini, Ignazio Orlando, Enrico Maria Serotti).  Tutte queste esperienze sono riconducibili, in qualche modo, alla TRAUMFABRIK. In sei anni l’esperimento socio-psichiatrico produce opere. Collages, dipinti, disegni e sculture. Il tutto assemblato prevalentemente con materiali di scarto, secondo una cultura altrettanto “trash” e marginale. Nel 1983 lo stabile di Via Clavature 20 viene sgombrato, le opere sono disperse e se ne perdono le tracce fra cantine e soffitte. Alla fine, tutto viene  semplicemente buttato via, ricongiungendosi così al ciclo della spazzatura da dove aveva avuto inizio. Negli anni ’80 lo stabile è ristrutturato, e negli anni ’90 l’appartamento è il nido d’amore della coppia Bonaga/Parietti, icona vivente della fine del Comunismo in Italia. Il fantasma della TRAUMFABRIK continua -forse- ad abitare i muri di Via Clavature 20.

Nell’ambito della Notte Bianca per la pace, organizzata dall’amministrazione comunale della città di Corsico in collaborazione con le associazioni culturali  per venerdì 14 settembre  2007, l’associazione di donne Galassia ha proposto ad artiste ed artisti  la realizzazione di una mostra di installazioni, opere bidimensionali e video nel cortile di un’antica casa del 1700, ora completamente ristrutturata,  nel centro della città.
Il tema della mostra, Facciamo pace?, viene interpretato da ogni artista avendo presente i temi del rispetto  dei diritti della natura, delle persone, degli animali e degli oggetti, rispetto dei diritti che sta alla base di qualsiasi politica di pace.
Visioni diverse, espressioni del sentire di ciascun artista.
L’uscire dalle consuete pareti riservate agli addetti ai lavori costituisce un modo coraggioso di confrontarsi con un pubblico più ampio.
A partire dalla domanda che dà titolo alla mostra, una frase che i bimbi e le bimbe si scambiano dopo un litigio, le opere delle artiste e degli artisti possono diventare, poste all’interno del cortile di una casa, momento individuale e collettivo di riflessione sui temi della possibilità di costruire percorsi di pace

Curatrice: Antonella Prota Giurleo

La terra dei mille laghi ospita una mostra dell’Ambasciata di Venezia. 10 artisti che rappresentano tutta l’Italia e che ribadiscono la vitalità dell’Ambasciata di Venezia, finestra sul mondo dell’arte, per far scoprire una delle molteplici facce dell’arte italiana di ricerca. Inoltre i 10 artisti affermano che la realtà a livello internazionale non è conosciuta se non in modo frammentario e superficiale. E questo errore, supportato dalla presunzione, è spesso evidente in curatori di grandi mostre che penalizzano per ignoranza l’Arte Italiana. Quindi la Finlandia con questa mostra Ambasciata di Venezia Everdream per numero di artisti, per qualità, per spazio espositivo e soprattutto per il discorso culturale proposto si attesta nell’Olimpo del fare, del proporre e viene a dare un giusto equilibrio alla realtà proposta dall’Ambasciata di Venezia, una finestra aperta sul mondo del significante.

GIANCARLO DA LIO

Artisti:
Italia Tiziana Baracchi - Lello Bavenni   Pino Conestabile - Carmela Corsitto  - Marcello Diotallevi - Claudio Grandinetti - Vincenzo Montella - Gianni Noli - Roberto Sanchez- Salvatore Starace

L’Avventura Continua

Parlare di venti edizioni dell’Albero della Poesia significa parlare di una storia significativa e non di un momento estemporaneo. Una storia  nata ormai nell’altro secolo e che continua a rinnovarsi come la vita. Infatti l’Albero della Poesia è un monumento vivente la cui linfa vitale è stata trasmessa a molti artisti, poeti, performer che ne hanno riconosciuto la sua essenza. Molte le nazioni che vi partecipano prevalentemente da Europa, America, Australia ma anche l’Asia si sta timidamente avvicinando. Un propagarsi di un messaggio che per effetto del network o meglio attraverso il canale del network non dimostra soste. Un’onda lunga che non ha ancora finito la sua corsa. Ricordo la prima edizione e uno scritto che si riferiva ad un altro celebre giardino veneziano a quello di Venier dei Leoni e alla mitica Peggy. Soltanto un’americana poteva dare quell’impulso all’arte contemporanea non compresa dai dotti accademici del passatismo italiano. E noi abbiamo seguito quell’istinto che ci ha portati non a chiedere di essere accettati ma a fare, agire come persone che vivono non in funzione del passato ma in funzione della vita quotidiana. Non vogliamo essere gli anatomopatologi della cultura ma esserne parte attiva. Un atto di presunzione ma credere nei sogni è l’unica nostra presunzione. E il tempo ci ha dato ragione. I personaggi conosciuti e che ci hanno fatto omaggio di una visita o dei loro lavori senza pensare a un tornaconto venale ce lo confermano. E ci danno la forza per continuare. Quindi è un dovere organizzare questo nuovo incontro per i vecchi e i nuovi amici e soprattutto per l’insieme della cultura che per noi è ancora un valore fondamentale anche se qualcuno ha cercato di trasformarlo in un valore complementare. Ma noi siamo ben attenti a non confondere i termini e soprattutto a svendere i nostri valori. Benvenuti a tutti coloro che ci hanno inviato i loro lavori e a coloro che saranno presenti a testimoniare la  ventesima edizione di questo meeting che è nel cuore degli artisti di quattro continenti. L’avventura continua.

GIANCARLO DA LIO